A Fusion of Jazz and Avant-garde featuring alto saxophone. / Avantgarde 20. Jahrhundert. Komposition für Solo Altsaxophon. Original Publisher & Producer: Edition Pro Nova, Sonoton Musikverlag, Munich, Germany. Sound engineers: Krzysztof Drab (1, 2) & Heinz Gärtig (3-9). Computer Graphic: Klaus Netzle. ADDITIONAL INFORMATION David Pituch Plays New Compositions For The Eb Alto Saxophone SIDE A 1. Brian Fennelly: TESSERAE VIII For Solo Alto Saxophone a) Rhapsodie b) Polyphonie 2. Jan Fotek: MUSIQUETTE For 3 Alto Saxophones 3. Augustyn Bloch: NOTES FOR SAXOPHONE 4. Richard Toensing: FOR SAXOPHONE ALONE (1975) SIDE B 1. Andrzej Dutkiewicz: DANSE TRISTE (For Alto Saxophone And Piano) (Piano played by the Composer) 2. Joji Yuasa: NOT I, BUT THE WIND.... For Amplified Alto Saxophone To this day the saxophone continues to suffer to a large extent from its rather dubious past reputation, arousing in many people such associations as bar music, background music for cafés or the sound of the typical big-band arrangement. In fact, the saxophone has also long since been quite at home in the serious concert hall. Admittedly, in the first years alter its introduction, few of the great composers seem to have been able to summon up much enthusiasm for this "instrumental bastard" — offspring as it was of the horn and the clarinet. The first prominent supporter of the saxophone, which had been developed around 1840 by Adolphe Sax, was indeed Hector Berlioz; but apart from Meyerbeer and Bizet, who both agreed with Berlioz' complimentary opinion, the rest of the so-called 'serious' musical world seems to have practised a remarkable abstinence towards this fresh addition to the palette of musical tone-colours. What might have happened, for example, if Richard Wagner had made use of the characteristically warm timbre of the saxophone in Kundry's scenes in "Parsifal", or had stamped the character of the God Wotan in "The Ring" with the domineering accent of this new and versatile instrumental family — such questions must now for ever remain (and for better or for worse) a matter of pure conjecture. For, even though this new creation had been developed to the point of technical perfection, it seems to have left the great master of Bayreuth — together with all the other great nineteenth-century symphonists — completely cold; entry to the exalted realm of high art was thus denied the interesting newcomer, and for several decades the saxophone was banished to the domain of the military band. French military musicians had taken to the saxophone as early as 1845, and it soon found its way into the bands of the armed forces of the whole world. From there, the way to the sphere of popular music and light entertainment is but a short one. Although the saxophone makes sporadic appearances in the scores of such composers as Claude Debussy, Maurice Ravel and Richard Strauß, a real interest in the still fresh possibilities of the instrument only becomes apparent among the composers of later generations. Strawinskij, Hindemith, Webern, Berg, Prokoffief, Honegger and Henze. But the saxophone's real domicile in the first half of the twentieth century is to be found yet elsewhere: namely, in jazz music. Here, in the hands of Charlie Parker, John Coltrane, Colman Hawkins and other brilliant virtuosi, it experienced a hitherto unheard-of development in instrumental technique. Only when the so-called serial phase of the history of modern music had faded and the newer avant-garde composers developed an interest in Improvisation and "free music" was the time ripe for a "third stream", an amalgamation of progressive jazz styles with the newer elements of the avant-garde scene; only then could the saxophone begin to take its rightful place in the consciousness of composers, musicians and audiences. Much in the same way that the instruments of the percussion family were emancipated from their lowly place in the "kitchen" department, and — thanks to a handful of particularly striking compositions — have now been fully accepted as valid musical instruments in their own right — capable, indeed, of being used solistically —, the saxophone has also, again with help of a few outstanding works (of which only "Sequentia 9b" need be mentioned here), taken over a permanent position in the sound-world of today's music. The selection of new compositions for the saxophone in this recording allows the listener some insight into the manifold possibilities of the instrument; it also introduces six contemporary composers who have all discovered particularly original ways of exploring the saxophone's great expressive potential. Brian Fennelly was born in Kingston (USA) in 1937 and studied (with interruptions) at the Union College from 1954-1963. Then followed five years of study at the Yale School of Music, where his teachers were Gunther Schuller, Allen Forte and Mel Powell. Today Fennelly teaches composition and piano at the University of New York. He has composed many works for all kinds of instrumental combinations, several of which have been awarded prizes or have led to new commissions. "Tesserae VIII" was written for David Pituch in 1980 and is the eight piece in a series of solo instrumental works. The title refers to the mosaic-like compositional technique: "tesserae" is in fact the name given to the small pieces of glass or marble used in making mosaics. In this case the musical "tesserae" are the melodic and contrapuntal motifs which are combined into a complete 'mosaic'. The work opens with a "Rhapsody", in which the pitches of a twelve-note chord are unfolded in the manner of a free fantasia. A section entitled "Polyphony" follows, in which episodes based primarily a tone-colour are interspersed with others, which are more conventional in their contrapuntal structure. In this strictly worked-out composition, Fennelly makes use of some of the many technical possibilities of the saxophone such as multiple sounds and various blown-air effects. Jan Fotek was born in Czerwinsk (Poland) in 1928 and studied composition with Stanislaw Wieckowicz at the Cracow Music Conservatoire and with Tadeusz Szeligowski at the Music Academy in Warsaw. Among the various prizes he has been awarded for his works are the Grzegorz Fitelberg Prize and the State Prize. He has composed many works, of which his five operas, Tour oratorios and two symphonies are particularly important. The composer describes his "Musiquette" for three saxophones as a musical joke. The dissolution of the compositional character reminds one of the ostinato 'patterns' of so-called "minimal music", and the technique is certainly derived from neo-tonality. After a short introduction, a cantilena melody unfolds in front of the multifarious, tiny-patterned background. A postlude with a kind of reprise of the material heard earlier serves to round the piece off. Augustyn Bloch was born in Grudziadz (Poland) in 1929 and is one of the most prominent among his country's composers. He studied composition with Tadeusz Szeligowski at the Music Academy in Warsaw, and also performed las organist) in many concerts. lt was in this capacity that he first appeared in the Federal Republic of Germany. From 1954-1977 he was the composer of the Polish Radio Theatre in Warsaw. During this time he wrote a great deal of functional music for the radio, as well as much background music for television plays. Bloch has been the recipient of many international prizes for composition — most importantly, the coveted award of the "Tribune Internationale des Compositeurs UNESCO". "Notes", this composition for solo saxophone was written in 1981 for David Pituch. The musical foundation of the piece is a twelve-note row which undergoes various transformations. The title of the work is supposed to imply that many little episodes or "notes" are strung together, each making particular use of some specific and characteristic possibility of the Saxophone, such as Iengthy chains of trills, multiple sounds and so-called 'vibraphone sounds'. Richard Toensing studied composition with Ross Lee Finney and Leslie Bassett. He has been the recipient of several commissions and also of some important awards. He now teaches composition at the University of Colorado in Boulder and is director of the Colorado Electronic Music Studio. His piece, "For Saxophone Alone", was written in 1975 and is a small study in three sections. In the first part the material of the exposition is unfolded and developed; the second episode is more peaceful in character, and makes particular use of wide interval-leaps and the highest register of the instrument. The concluding section brings back material from the beginning of the piece in a kind of reprise. Andrzej Dutkiewicz was born in 1942 and studied with Witold Rudzinski at the Music Academy in Warsaw. Scholarships awarded him between 1973 and 1976 enabled him to participate in various courses in America and Germany (Darmstadt), and he attained international recognition with the award of the Rotterdam Interpreters' Prize for Contemporary Music. As founder-member and director of the "Group XX", he has performed concerts in nearly all the countries of Europe, as well as in South America and the USA. His compositions are much respected in the important centres for New Music. "Danse Triste" was first performed in 1978 at the Carnegie Hall, New York. This highly original work makes use of all the registers of the saxophone, as well as of various special effects. Such a synthesis of traditional and avant-garde techniques is characteristic of this composer's style. "Danse Triste" is in three movements, and in spite of its unusual sound-world, its formal layout is quite conventional. "Introduction", the first movement, for example, is a symmetrical three-part formal scheme with a cantabile central episode. The second movement is similar, although the reprise is obscured and the symmetry disturbed by the insertion of a cadenza. The cycle is rounded off by a brilliant three-part finale. Joji Yuasa was born in Koriyama (Japan) in 1929. He decided to take up music fairly late in life, having acquired his knowledge of compositional technique by taking part in various experimental music courses in Tokyo while actually studying medicine. His insight into the most important contemporary schools of composition and into all modern techniques was gained in the course of his many journeys to America and Europe. The award of various prizes — among others the Prix Italie for film-music — testifies to the great success Joji Yuasa has had with his music. His status was further confirmed by performances of his music during the world fair at Osaka and during several world festivals of the ISCM (the International Society of Contemporary Music). Since 1981 the composer has been teaching at the University of California in San Diego. His composition for solo saxophone, "Not I but the Wind...", was written in 1976. Inspired by the book of the same name by Frieda Lawrence, it is a representation of the Shakuhachi, the traditional Japanese wind instrument. According to ancient Japanese teachings, the best mood in which to play this bamboo flute comes about when the player imagines the whistling, sighing and howling of the wind in an old bamboo grove. Only "denatured" sounds are called for by the composer in this piece; these are electronically amplified and combined with various echo effects, with the result that the conventional sonorities of the saxophone are virtually excluded. Dr. Klaus Hinrich Stahmer Translated by Jolyon Brettingham-Smith ZUSÄTZLICHE INFORMATIONEN Dem Saxofon haftet weithin noch der Ruch des Unseriösen an. Unwillkürlich denkt Mancher an Barmusik, Caféhausgetingel und arrangierten Bigband-Sound, und doch hat das Instrument längst seine Heimat auch im Konzertsaal gefunden. Zugegeben: in früheren Jahren haben sich nur ganz wenige große Komponisten für diesen Instrumentenbastard begeistern können, an dessen Wiege einmal Klarinette und Horn Pate gestanden hatten. Den ersten prominenten Fürsprecher hatte das um 1840 von Adolphe Sax entwickelte Blasinstrument zwar in Hector Berlioz, dessen lobendem Urteil sich auch Meyerbeer und Bizet anschlossen, doch übte die restliche "E-Musik" eine bemerkenswerte Abstinenz gegenüber dieser frischen Farbe auf der instrumentalen Klangpalette. Was passiert wäre, wenn beispielsweise Richard Wagner die Kundry-Szenen in seinem "Parsifal" mit dem warmtönenden Timbre der Saxofone charakteristisch eingefärbt oder den Gott Wotan im "Ring" mit dem herrischen Akzent der vielseitigen neuen Instrumentenfamilie belegt hätte, muß wohl oder übel der Spekulation überlassen bleiben. Denn ebenso wenig wie alle übrigen Symphoniker des 19. Jahrhunderts konnte sich der Bayreuther Meister für die technisch zur Vollkommenheit entwickelte Neuschöpfung erwärmen. So blieben dem interessanten Instrument jahrzehntelang die Pforten zum Reich der hohen Kunst verschlossen, und seinen Wirkungskreis erhielt es hauptsächlich in der Militärmusik. Bereits seit 1845 von französischen Militärmusikern mit Begeisterung gespielt, war das Saxofon rasch in allen Militärkapellen der Welt zu Hause, und von dort war der Weg dann in die Unterhaltungsmusik nicht mehr weit. Sein sporadisches Auftreten in den Partituren Claude Debussys, Maurice Ravels oder Richard Strauss' blieb ohne Folgen, und erst in der neueren Musik interessierten sich einige Komponisten intensiver für seine unverbrauchten Möglichkeiten: Strawinsky, Hindemith, Webern, Berg, Prokofieff, Honegger und Henze. Die eigentliche Domäne aber hatte das Saxofon in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts an anderer Stelle: im Jazz. Hier wurde es — von Virtuosen wie Charlie Parker, John Coltrane, Coleman Hawkins und anderen brillant gespielt — in seiner Technik auf einen bis dato unbekannten Höhepunkt geführt. Erst als mit dem Abklingen der seriellen Phase in der Avantgarde das Interesse auch für Improvisation und "free music" sprungartig anwuchs und die Zeit für den "Third stream", d.h. die Vereinigung von progressivem Jazz und neuartiger "E-Musik" gekommen war, wurde das Instrument im Bewußtsein von Komponisten, Musikern und Zuhörern rehabilitiert. So wie mittlerweile auch das Schlagzeug durch wenige markante Kompositionen seine unumstrittene Anerkennung als vollgültiger, solistisch verwendbarer Klangkörper gefunden und das Odium der "Schießbude" von ehedem abgelegt hatte, so hat sich mit einigen Solokompositionen, von denen hier nur die "Sequenza IX b" erwähnt sein soll, auch das Saxofon seinen festen Platz im Klangpotential unserer Zeit erobert. Die vorliegende repräsentative Auswahl neuer Kompositionen für Saxofon gibt dem Hörer Einblick in die Vielfalt der klanglichen Möglichkeiten und vermittelt die Bekanntschaft mit sechs Komponisten der Gegenwart, die den Ausdrucksreichtum des Saxofon in originellen Formen auszuloten wissen. Brian Fennelly wurde 1937 in Kingston, USA, geboren und studierte — mit Unterbrechnungen — von 1954 bis 1963 am "Union College". Daran schloß sich ein fünfjähriges Studium an der "Yale School of Music" an, wo Gunther Schuller, Allen Forte und Mel Powell seine Lehrer waren. Vielfach durch Preise und Kompositionsaufträge ausgezeichnet, schrieb der heute an der New Yorker Universität lehrende Komponist und Pianist zahlreiche Instrumentalkompositionen aller Besetzungsarten. "Tesserae VIII" entstand 1980 für David Pituch als achtes Stück in einer Reihe von Instrumentalsoli. Der Titel bezieht sich auf die mosaikartige musikalische Bauweise, denn "Tesserae" heißt soviel wie: Marmor- oder Glasstückchen, die in Mosaikarbeiten verwendet werden. Hier sind mit "Tesserae" melodische und kontrapunktische Motive gemeint, die sich zu einem Mosaik verdichten. Die Komposition beginnt mit einer "Rhapsodie", die fantasieartig die Töne eines Zwölftonakkords ausfaltet. Daran schließt sich ein mit "Polyphonie" bezeichneter Teil an, in welchem Klangfarbenepisoden mit konventionell polyphon gearbeiteten Abschnitten abwechseln. Fennelly macht in dem streng gearbeiteten Stück von den vielfältigen technischen Möglichkeiten des Instruments insofern Gebrauch, als er Mehrklänge, Anschlags- und Anblaseffekte verwendet. Jan Fotek, 1928 in Czerwinsk/Polen geboren, studierte Komposition bei Stanislaw Wiechowicz an der Musikhochschule Krakau und bei Tadeusz Szeligowski an der Musikhochschule Warschau. Er wurde mehrfach für seine Werke ausgezeichnet und erhielt u.a. den Grzegorz Fitelberg-Preis und den Staatspreis. In seinem umfangreichen Schaffen nehmen fünf Opern, vier Oratorien und zwei Symphonien einen besonderen Platz ein. "Musiquette" für drei Saxofone wird vom Komponisten als musikalischer Scherz bezeichnet. In einer aufgelösten Satztechnik, die an den ostinaten Gebrauch von "Patterns" der "Minimal music" erinnert und der Neotonalität verpflichtet ist, entfaltet sich nach einem kurzen Vorspiel eine Kantilene über dem kleingemusterten Hintergrund, ehe im Nachspiel ein Rückgriff auf Vorangegangenes die Form rundet. Der 1929 in Grudziadz/Polen geborene Augustyn Bloch gehört zu den prominentesten Komponisten seines Landes. Ausgebildet bei Tadeusz Szeligowski an der Musikhochschule Warschau, wirkte er als Organist in zahlreichen Konzerten mit, die ihn u.a. auch in die BRD führten. 1954 bis 1977 war er Komponist am Theater des Polnischen Rundfunks in Warschau und schrieb in dieser Eigenschaft radiophone Gebrauchsmusiken und Begleitmusiken zu Fernsehspielen. Bloch hat zahlreiche internationale Kompositionspreise erhalten, darunter den begehrten Preis der "Tribune Internationale des Compositeurs UNESCO". Seine Saxofonkomposition "Notes" entstand 1981 für David Pituch. Die Grundlage dieser Komposition ist eine Zwölftonreihe, die im Laufe des Werks ständigen Verwandlungen unterworfen ist. Der Titel der Komposition gibt zu erkennen, daß notizenartige kleine Episoden aneinandergereiht werden, die von den klanglichen Möglichkeiten des Instruments reichen Gebrauch machen, darunter langen Trillerketten, Mehrklängen und "Vibrafonklängen". Richard Toensing, Kompositionsschüler von Ross Lee Finney und Leslie Bassett, erhielt mehrere Kompositionsaufträge und namhafte Auszeichnungen für sein Schaffen. Er lehrt Komposition an der "University of Colorado" in Boulder und leitet das "Colorado Electronic Music Studio". Sein Stück "For Saxophone alone" — 1975 geschrieben — ist eine kleine dreiteilige Studie. Der erste Abschnitt entfaltet das eingangs aufgestellte musikalische Material. Die hieran anschließende zweite Episode von ruhigem Charakter ist aus größeren Intervallsprüngen gebaut und macht von den höchsten Tönen des Instruments ausgiebig Gebrauch. Der abschließende dritte Teil greift auf den Anfang der Komposition zurück. Andrzei Dutkiewicz, 1942 geboren, studierte an der Musikhochschule Warschau bei Witold Rudzinski. In den Jahren 1973 bis 76 nahm er auf Grund von Stipendien an verschiedenen Kursen in den Vereinigten Staaten und in der Bundesrepublik (Darmstadt) teil und gewann internationale Anerkennung durch den Rotterdamer Interpretenpreis für zeitgenössische Musik. Als Gründungsmitglied und Leiter der "Gruppe XX" konzertierte er in nahezu allen europäischen Ländern, in Südamerika und den Vereinigten Staaten. In den wichtigen Zentren der neuen Musik schätzt man die Kompositionen von Dutkiewicz. "Danse triste" wurde 1978 in der New Yorker Carnegie Hall uraufgeführt. Das originelle Werk bringt alle Register des Saxofons zur Entfaltung und macht ausgiebig Gebrauch von Klangeffekten auf dem Instrument. Die Synthese von traditioneller Satztechnik und avantgardistischer Klanggestaltung gehört zu den stilistischen Eigenheiten des Komponisten. Dreisätzig in der großformalen Anlage, entspricht "Danse triste" trotz seiner ungewöhnlichen Klänge weitgehend den traditionellen Formschemata. So ist beispielsweise der erste Satz "Introduktion" symmetrisch angelegt mit einem kantablen Mittelteil. Ähnlichen Aufbau zeigt der zweite Satz "Danse triste", jedoch ist die Reprise verschleiert, und eine eingeschobene Kadenz verschiebt die Symmetrieverhältnisse. Ein brillantes, dreiteiliges Finale rundet den Zyklus ab. Joji Yuasa, 1929 in Koriyama, Japan, geboren, entschied sich erst spät für den Musikerberuf und erwarb seine kompositorischen Kenntnisse im Laufe eines Medizinstudiums durch die Teilnahme an musikalischen Experimentierkursen in Tokio. Zahlreiche Reisen in die USA und nach Europa verschafften ihm dann Einblicke in die wichtigsten Komponistenschulen und ließen ihn mit allen modernen Techniken vertraut werden. Auszeichnungen wie beispielsweise der "Prix Italie" für Filmmusiken kennzeichnen den großen Erfolg, den Joji Yuasa mit seinen Kompositionen erzielte. Aufführungen während der Weltausstellung in Osaka und auf mehreren internationalen Weltmusikfesten der ISCM (Internationale Gesellschaft für Neue Musik) dokumentieren den Rang seines Schaffens. Seit 1981 lehrt der Komponist an der "University of California" in San Diego, USA. Sein Saxofonsolo "Not I, but the wind..." (Ich nicht, sodern der Wind...), inspiriert durch das gleichnamige Buch von Frieda Lawrence und 1976 komponiert, stellt das traditionelle Blasinstrument Japans, das Shakuhachi, dar. Einer alten japanischen Lehre zufolge soll die beste Gemütsstimmung zum Spielen des Bambusblasinstruments dann entstehen, wenn sich der Spieler das Pfeifen, Heulen und Sausen des Windes in einem alten Bambushain vorstellt. Der Komponist verwendet ausschließlich denaturierte Klänge des Instruments, die — elektronisch verstärkt und verhallt — völlig auf die normalen Sonoritäten des Saxofons verzichten. Dr. Klaus Hinrich Stahmer